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Presencial - Del 25/05 al 10/07

Matucana 100 recibe a los 7 pecados capitales representados a través de siete instalaciones artísticas, las cuales han sido creadas por diferentes artistas visuales.

 

Matucana 100 y la plataforma de arte contemporáneo One Moment Art presentan 7, una serie de siete instalaciones que tienen como tema los 7 pecados capitales. La cercanía o disociación del concepto 7 es el desafío que se ha puesto a un pool de artistas invitados para que intervengan el espacio a través de la imagen, el sonido y la instalación, para crear un imaginario en relación a cada pecado capital y así generar con estos elementos la interacción e interpelación a los visitantes.

La característica fundamental es que cada propuesta será activada en el mismo espacio por 7 miradas diferentes en 7 semanas. Cada intervención artística tendrá una duración de 5 días, inaugurando un día miércoles y terminando el domingo de la misma semana. Serán 7 exhibiciones de las cuales 5 son solo show y 2 duo show.

La soberbia, la avaricia, la lujuria, la ira, la gula, la envidia y la pereza son las siete pasiones del alma que la tradición cristiana ha fijado como «pecados capitales». Un vicio capital es un defecto de carácter que inclina al alma a un comportamiento que daña al ser humano y a quienes lo rodean.

ARTISTAS:

25 de Mayo: Francisca Eluchans con #soberbia

1 de Junio: Javier Toro Blum con #gula

8 de Mayo: 1989 + VZNE con #ira

15 de Junio: Raimundo Edwards con #pereza

22 de Junio: Jose Yisa con #avaricia

31 de Junio: Maria Gabler + Valentina Soto Illanes con #envidia

6 de Julio: Francisco Belarmino con #lujuria

"Paisaje sin memoria" Instalación de un bosque quemado. Colaboración sonora de Francisca Eluchans con Juan Fontaine.

A partir del concepto de Soberbia, la instalación muestra una escena de un bosque quemado, de árboles nativos y chaguales (puya chilensis) quemados durante un incendio forestal en febrero del año 2022. 

La instalación reflexiona sobre nuestra relación con la naturaleza. El 99% de los incendios forestales de Chile son producidos por el hombre (ya sea por negligencia o intencionalidad). La soberbia del hombre frente a los recursos naturales, nos ha llevado a una sequía extrema y a un poco cuidado y respeto por la naturaleza. Es hora de repensar nuestro actuar y reflexionar sobre el mundo que queremos construir.

SOBRE LA ARTISTA:

La obra de Francisca Eluchans se centra en la deconstrucción de la imagen fotográfica, utilizando el collage como estrategia para desplazar la fotografía a una dimensión tridimensionalidad, al cuerpo escultórico y a la instalación. Reflexiona sobre el territorio y el significado del paisaje. Que no todo territorio es paisaje, y que por medio de nuestra experiencia lo transformamos en paisaje. A partir de esta idea, con su obra artística busca proyectar su experiencia sensible en el paisaje, a través de estas construcciones volumétricas. Encapsula pequeños fragmentos de esta experiencia y los transforma en esculturas sociales y geográficas, planteando que el paisaje es ante todo una idea, una proyección mental que deseamos materializar y conservar. Trabaja principalmente con paisajes urbanos y con paisajes naturales y deshabitados. En el último tiempo ha trabajado con la técnica fotoquímica del cianotipo.

Actualmente vive y trabaja en Santiago, Chile. Desde 2009 ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y en el extranjero, incluidos países como Argentina, Perú, México, China, Italia y Estados Unidos.

"Las Lámparas de Zarathustra" es una instalación lumínica y sonora, que se compone de 6 esculturas lumínicas y un sistema de sonido de 5 parlantes que reproducen Reverse Zara, música ambiental creada sampleando y trabajando con los primeros segundos de Also Sprach Zarathustra de Richard Strauss, creando un continuo de vibración sonora. La obra de Strauss toma el título del libro homónimo del filosofo Frederick Nietzsche, canción que además se volvió icónica en la cultura popular como tema principal de la película 2001: Space Odyssey de Stanley Kubrick del año. Se abre así un mapa de referencias y citas culturales de manera reverberante.

La pieza sonora se reproduce en los 5 parlantes en tiempos diferentes, pero la vibración constante unifica las reproducciones en una masa sonora de múltiples capas. Iguales pero diferentes. Lo mismo con las esculturas lumínicas: Las piezas se componen de los mismos elementos pero por su configuración ninguna es igual a la otra.

SOBRE EL ARTISTA:

Javier Toro Blum: Licenciado en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile y Master en Escultura del Royal College of Art de Londres. Su trabajo se centra en la percepción visual, la fenomenología del espacio, y sus subsecuentes implicancias culturales, emocionales y psicológicas. Ha sido merecedor de la Beca Chile para Magister, Beca Fundación Arte +, Beca Fundación Pablo Neruda y dos veces del Fondo de Desarrollo de las Artes y la Cultura.

Ha exhibido individualmente los proyectos "Ingmar" en Galería Concreta, Matucana 100, “Dibujar en la Tierra” en el Centro Nacional de Arte Cerrillos, "No pasado No Presente No futuro", "Fotometrías", "Triada" y "La Cámara de Schrödinger" en Galería Patricia Ready. Entre sus exhibiciones colectivas destacan "Transitions", A.M Bjiere, New York, Estados Unidos; "Domestic Essays", Carpintarias de São Lázaro, Trienal de Arquitectura de Lisboa, "Tout Ce Qui Est Droit Ment" Sobering Galerie, París, "Hablar en Lenguas" 12 Bienal de Artes Mediales en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, "21st Century Art and Design – RCA 2013" en Christie’s London, "Muse" en Lempertz Berlin, "Paradise" en el Salon del Mobile de Milán y "Luz Sur" en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, entre otras. Fue director del Laboratorio Eigengrau el año 2015. Investigación sobre la percepción de la oscuridad y desmaterialización de la obra como alucinación óptica, resultando en un libro homónimo.

Su trabajo se encuentra en las colecciones del Royal College of Art, Princeton University, Museo de Arte Moderno de Chiloé, White Elephant Bibliothek Consejo para la Transparencia del Gobierno de Chile, Ca.Sa y Fundación Engel, así como en colecciones privadas en Chile, Alemania, Francia, Inglaterra y Perú.

Fabiola Morcillo a.k.a. 1989 es una artista digital chilena cuya práctica se dirige a las artes digitales incluyendo, Ilustración en Autocad, vídeo mapping, animación, grabado láser en mármol y proyectos arquitectónicos. Mezclando la arquitectura y el arte, fantasía de tecnologías y misticismo simbólico. Seleccionada por Autodesk “AutoCAD 35 Under 35 young design list”2017, Elástica, Galería CIMA 2018, “Lights of Chile” - 193 Gallery, Francia Paris 2019. Nominada a “Young Program Architects of MOMA” Vj performance en Recreo y Lollapalooza Chile 2019. Feltzine Database NYC 2020, “Sol de Invierno” y “CAOS” en Galería CIMA 2021. Exposición individual "Imágenes de la 3D" en Galería la Curtiembre y LIVE show VNZO x 1989 en teatro CEINA.

VNZO, Vincenzo Traverso: Dj/Productor de Valparaíso ahora ubicado en Santiago, en los últimos 5 años se ha convertido en uno de los shows en vivo más interesantes de Chile y Sudamérica en Ebm / Industrial, ya cuenta con presentaciones en Boiler room, Red light radio, E.X.T México, Primavera fauna, Recreo, LIVE show VNZO x 1989 en teatro CEINA.

El proyecto PEREZA contempla ubicar en distintas zonas, a partir de la subdivisión respecto de planta y alturas, elementos con cintas reflectantes que contienen información estadística y texto, y que en sus tamaños han sido dimensionados desde la antropometría de personas reales.

Se necesita mantener cierta penumbra para que no sean visibles a ojo directo, y mediante la luz estroboscópica con timer, y la activación de los espectadores mediante el registro fotográfico de los celulares con flash estas figuras lineales sean percibidas por lxs espectadrxs.

SOBRE EL ARTISTA:

Raimundo Edwards: Es licenciado en Artes Visuales mención Pintura por la Universidad Finis Terrae y Magíster en Artes Visuales por la Universidad de Chile. Ha recibido el Premio 1er Lugar Beca Arte CCU y residencia I.S.C.P. Brooklyn, Nueva York 2013-4, Becas Fondart y adquisición 2016-2020, Premio Minera Escondida MAVI, Beca residencia Bloc 2013 y premio A.I.C.A del círculo de críticos 2009 entre otros.

Dentro se sus exposiciones individuales destacan: Rehacer toda marcha a su antojo, Museo de Artes Visuales – MAVI (2019); El Centro de la Tierra, Galería Metales Pesados, Santiago (2016); Hexagonal, Galería Tajamar, Santiago (2015); Freno y Aceleración, Sala de Artes CCU (2014); Lost&Found, Y Gallery, New York (2014); Retorno, Museo de Artes Visuales-MAVI, Santiago (2013). Algunas de sus exposiciones colectivas son: Life of my life , Vitrina LAB, Miami, U.S.A.(2020); INTROSPECCIONES, Galería Concreta M100, Santiago, Chile; SIART 9a Bienal Internacional, Bolivia (2016); Febrero Untitled, Galería Metales Pesados (2016); Ten, Cindy Rucker Gallery, curaduría Ian Cofré, New York (2014); Arqueologías a Destiempo, Galería Gabriela Mistral Arte Contemporáneo. Santiago (2012); Zíper, Sala de arte CCU, Santiago (2010); Naturata, Galería Florencia Loewenthal, Santiago (2010); USVtv videoicomiso, Museo de la Ciudad de Querétaro. México (2010); Artilugio Chilensis, Sala la Perrera, España (2009); Dudo, acciones en 3 museos: Louvre, D ́Orsay y Centre Pompidou, Francia (2009).

Cada día, infinitos mensajes publicitarios nos avasallan desde marquesinas, pancartas, afiches y carteles con el claro objetivo de modelar nuestros deseos, generando un ruido que exige nuestra atención y monopoliza el paisaje urbano.  Es un espacio público para el adoctrinamiento a través del dominio de la visualidad y del control de los usos. No juegues a la pelota. No pises la hierba. Prohibido estacionar. Gire a la derecha. Pasa por un AutoMac. Destapa una Pepsi. Adelgaza. Compra. Rinde.. En la urbe neoliberal, l_s ciudadan_s somos definidos, ante todo, como consumidor_s. El proyecto  Das Kapital Kunst de José Caerols subvierte esta lógica capitalista a través de un ejercicio de détournement que despliega en pinturas en spray sobre metal corroído, instalaciones site-specific y una pieza de vídeo.

Cash rules everything around me, cash rules everything around me, cash rules everything around me… se repite ad nauseam en la pieza de video. Se trata del estribillo de C.R.E.A.M., una canción de la banda de rap Wu Tang Clan. Con esto, Yisa nos recuerda las profundas implicaciones políticas de la experiencia individual. El Plan Cóndor durante la dictadura pinochetista supuso la invasión cultural gringa, que trajo consigo el borrado de la cultura chilena en un ejercicio de neocolonialismo. Paradoja capitalista implícita en el rap, con la llegada de la cultura yankee, llega también la contracultura estadounidense.  En la azotea del edificio, un gran cartel con la palabra Futuro nos abre al espacio de las promesas.

José Caerols (Yisa) ha venido desarrollando un lenguaje crítico que vincula aspiraciones sociopolíticas y estéticas, planteando una práctica artística situada, comprometida con el lugar y l_s lugareñ_s. Le interesa señalar el conflicto ideológico que supone la visualidad para buscar nuevas formas de participación social en las artes plásticas. Así, señala el dominio colonial moderno y cuestiona las narrativas dominantes. Arte público, crítico y situado políticamente, colindando con prácticas cercanas al activismo y la acción directa desde una esfera pública de oposición, arte site specific que interactúa con el público y pone atención en los aspectos históricos, económicos, ecológicos y socio-culturales del emplazamiento. Práctica situada en el umbral institución <> contracultura por su posición abiertamente crítica con las relaciones de complicidad entre la cultura institucionalizada y el poder económico. Yisa responde a esas búsquedas de síntesis o mestizajes eclécticos de los que habló Juan Acha, una práctica artística que no rechaza lo europeo sino que postula su asimilación o superación dialéctica. Por eso, hay una invocación precolombina que convive con lo que podríamos llamar abstracción geométrica pop fuertemente influenciada por la gráfica publicitaria. 

El proyecto Envidia consiste principalmente en un gran contenedor lleno de barro, que cubrirá casi la totalidad del suelo de la sala, dejando solo un pasillo estrecho por el rededor. El espacio cubierto por el barro será iluminado con una proyección y diversas luces. Los  reflejos y brillos que generará la luz en el barro serán la principal atracción. Así mismo, los y las espectadoras tendrán la posibilidad de interactuar tanto con el barro (podrán tocarlo, moverlo, etc) como con las luces (al producir sombras con sus movimientos).

La instalación consta de una estructura con forma de paralelepípedo rectangular, que en su interior contiene una pantalla esférica p10 colgando desde su centro. La particularidad de esta estructura es que posee sacados, o aberturas por las cuales se escapa la luz. Desde ahí el visitante puede observar la pantalla sólo a través de estas ranuras. La pieza audiovisual que se reproducirá por esta pantalla aún está en proceso creativo. La sala estará iluminada solo por la esfera.

  • Solicitaremos Pase de Movilidad, desde los 12 años, a todas y todos quienes asistentan a las actividades presenciales del Centro Cultural. Dicho documento será revisado en las puertas del Centro Cultural. Sin este documento no podrás ingresar a Matucana.
  • Los niños menores de 12 años podrán ingresar a las funciones/actividades presenciales acompañados de un adulto con Pase de Movilidad.
  • Tras ingresar, sigue cuidadosamente las indicaciones del Equipo M100. En especial, al momento de entrar y salir de cada espectáculo.
  • Controlaremos la temperatura de todas las personas que ingresen a M100.
  • Supervisaremos el uso de mascarillas antes, durante y después de las actividades.

 

EXPOSICIÓN PRESENCIAL


Del 25/05 al 10/07


Mié a dom, de 12 a 14 horas, y de 15 a 21 hrs.


Sala Project


Entrada liberada


Se solicita Pase de Movilidad + Documento de Identificación


T.E.


PREGUNTAS FRECUENTES